ROCK PROGRESIVO DE 1970

Rock progresivo de los años 70.

Sobre el rock progresivo no he encontrado mucha información que realmente aclare su procedencia, pero si vídeos que más o menos la documentan.

Aquí veréis vídeos donde se escuchan grandes bandas del género, al igual que voces.

En verdad es un estilo de música que nunca había escuchado, pero que deberíamos escuchar todos para poder apreciar la música y las grandes voces.

PUNK 1976

Punnk 1976

En la década del 70 una ola de chicos callejeros crearon un nuevo género musical y social: el punk. Eran personas pobres y con un pasado lleno de abusos.

Tuvieron un estilo propio, como le ocurrió a un fenómeno anterior, los hippies, pero detrás de los punk habían connotaciones ‘‘lumpen’’.

Sus creadores encontraban en la rebelión y en la anarquía el antídoto perfecto contra la opresión de que eran objeto. Eran una especie de personajes degenerados y afiliados al caos y al desorden, que no se preocupaban demasiado por las consecuencias de sus actos.

Pero el punk no fue controversial solo por el comportamiento de sus músicos sino también por la actitud de sus fanáticos, que utilizaban modas estrafalarias, eran responsables de peleas callejeras y actos vandálicos, creían en el sexo desenfrenado y abusaban de las drogas y el alcohol.




Cónsono con la aparición de Punk, la música inglesa parecía disfrutar de un cierto renacimietno. Tras varios años sin contar con el apoyo de las grandes disqueras londinenses, los pequeños grupos encontraron ayuda en un extraño personaje, Malcom McLaren, quien fungió como el dinámico promotor artístico de The Sex Pistols.
Como a los Sex Pistols les gustaban los problemas, sus presentaciones en televisión fueron igualmente controversiales. La más recordada fue en el show Thames Today. En plena grabación se desató una disputa entre espectadores y la banda, aquello fue tan serio que fue noticia de primera plana de los periódicos de la época. El espíritu rebelde se mantenía intacto.

Visto a la distancia, el punk ha sobrevivido a nuestros días. Hoy no tiene la influencia que hace tres décadas, pero es una muestra de que cada momento histórico exige un estilo musical propio.

The clash.

Es un grupo punk rock británico que se formó en Londres y realizo su primera aparición como telonero de The Sex Pistols.

El vocalista tenía un estilo desgarrado, el guitarrista algo más melódico.

Su primer disco The Clash en 1977 destacaba lo que llamaron la política social. Que consistía en movimientos urbanos, sexo salvaje y días desenfrenados.

El segundo disco Give´em Enough Rope en 1978 fue algo más relajado.

La película Rude Boy cuenta una historia sobre lo que rodeaba algunos de sus conciertos.

El grupo tuvo un ggran éxito posterior por su disolución con la canción a Combat Rock ´Should I Stay Or Should I Go?, que fue utilizada para anuncios publicitarios.



El grupo se reunió para editar su primer disco en directo, así comenzaron a convertirse en una leyenda viva del punk rock.
cuando el líder de la banda murió el resto de la banda hizo un homenaje con todas sus canciones.

WOODSTOCK. 1969-1970.

Woodstock. Él festival.

No he encontrado mucha información sobre este festival. Pero aquí os dejo un escrito que explica bastante bien en que consistía el famoso Woodstock del 69.

Woodstock fue el más grande y de los mejores festivales de música y arte de la historia. Congregó a un millón de personas en tres días alucinantes (15, 16 y 17 de agosto de 1969). Se convirtió en el ícono de una generación de norteamericanos hastiada de guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema. Gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie (realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente). Los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris y el llamado símbolo de la paz.

Los hippies estaban en contra de la guerra de Vietnam, por lo que Jimi Hendrix tocó el himno estadunidense en eléctrico para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses, ya que algunos los tachaban de movimiento anti-Estados Unidos. Sus ideales eran el pacifismo, amor libre, vida en comunas, ecologismo, y el amor por la música y las artes.

En contraste con las pretensiones de este que pretendía ser una celebración a favor de la paz. Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo y drogas, destacando el consumo de LSD y marihuana; todo esto aderezado con música rock. Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el evento hizo que finalmente resultara un acto rentable.

Posteriormente se celebrarían otros festivales de Woodstock: 1979, 1989, 1994 y 1999, pero el de 1969 es el Woodstock por antonomasia.

Para que os hagáis una idea de lo que fue aquel festival aquí tenéis un video, y de algunos de los grupos que tocaron.

EASY RIDER

Easy Rider

Easy Rider es una película estadounidense dramática, dirigida por Dennis Hopper y con Peter Fonda, Hopper y Jack Nichol, que son actores principales. Está inspirada en la película italiana de 1962 La escapada.

Ganadora de numerosos premios y candidata a otros muchos, la película Easy Rider es considerada un hito de la contracultura de 1960 y un paradigma fundamental en la historia del cine de su país y del mundo. Es una de las precursoras de la producción independiente, y con ella se recaudó cien veces más que su costo de producción.

Resumen.

Trata sobre dos chicos, Wyatt y Billy  que quieren asistir al carnaval de Mardi Grass y para ello tienen que atravesar EEUU. Como no tienen dinero para viajar, se dedican al tráfico de cocaína en la frontera con México; el viaje lo realizan con sus motos.

Durante el viaje conocen diversas caras de la sociedad estadounidense. Donde les van ocurriendo anécdotas, conocen a u ranchero, un hippie, hasta acaban siendo arrestados, pero conocen a un abogado borracho y los saca de la cárcel. Al final se une a ellos.

JAZZ

Jazz.


Se dice que el jazz nació por la influencia de la música religiosa y la folclórica norteamericana y por las danzas de los esclavos africanos . El piano ragtime y las bandas ambulantes son las fuentes más ligadas al jazz primitivo.

Los africanos han aportado mucho, un estilo de hacer música, libre, rítmico con swing, la emoción con que interpretan su música folklórica que se transformó después en jazz.

Era una música que se alejaba de la clásica occidental, contaba mucho la implicación de los intérpretes.

Puesto que no tenían medios, hacían música con todo tipo de artilugios caseros. El más importante instrumento musical, fue el banjo. Fue usado mucho en las primeras bandas de jazz, después se abandonó y en los 70 volvió a adquirir prestigio.



Puesto que estaba prohibida la danza en los servicios religiosos protestantes, los negros “burlaron” esta prohibición tocando palmas y moviendo rítmicamente el cuerpo al tiempo que se cantaban himnos. De aquí surgían ideas melódicas espontáneas. Las estrofas recitadas por un solista y cantadas luego por el grupo de himnos.

Dixie.

Es un estilo de jazz con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación.

El estilo Nueva Orleans, también llamado dixieland, aparece a principios del siglo XX y se mantiene hasta la época de los años treinta.

Tres instrumentos destacan sobre los demás: la trompeta, el clarinetey el trombón.

El ritmo y la base armónica corren a cargo del contrabajo, la batería, elbanjo y el piano, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretando solos improvisados).

Generalmente este tipo de música se toca en la calle, incluso se utiliza para desfilar.

En algunas ocasiones, los instrumentos más pesados e imposibles de transladar al aire libre, como el piano, el contrabajo, o la batería, se sustituyen por la tuba y otros instrumentos de percusión, como la caja y los platillos.

Dixieland Jazz Band.

Los miembros originales de la Original Dixieland Jazz Band, todos de Nueva Orleans, fueron Nick LaRocca, Larry Shields, Eddie Edward,), Tony Sbarbaro, y Henry Ragas. En 1917, el grupo se convirtió en la primera banda de jazz para hacer grabaciones fonográficas, lograron un grado de eminencia que estaba fuera de proporción a sus habilidades musicales. A mediados de la década de 1920, cuando la moda para bailar jazz calmó temporalmente, el grupo se disolvió; se reformó de nuevo en 1936.

Ningún miembro de la Original Dixieland Jazz Band fue particularmente talentoso como improvisador, y el fraseo del grupo era rítmicamente rebuscado; pero aun así, su vigor colectivo tenía un espíritu contagioso. Cuando las bandas de jazz negros comenzaron a registrar regularmente pronto se hizo evidente que muchos de ellos eran más expertos en la improvisación del jazz y el fraseo que fue la Original Dixieland Jazz Band. Oyentes casuales estaban intrigados por su repertorio, sin embargo, el grupo presentó un nuevo sonido en lugar de una nueva música; este sonido, y los ritmos en que fue redactada, hizo un llamamiento a los jóvenes bailarines, que estaban deseosos de romper con los pasos rígidamente formales de baile de la época.



El defensor más apasionado de la importancia de la Original Dixieland Jazz Band de la historia del jazz fue el propio LaRocca, que nunca dejó de reclamar que su banda había desempeñado un papel vital en la "invención" del jazz en Nueva Orleans durante los primeros años del siglo 20.

ELVIS PRESLEY

Elvis Presley

Su primer disco fue lanzado hace 60 años, en 1954. Fue el disco que finalmente lo cambió todo.

Ese disco, que llegó a las tiendas de Tennessee hace 60 años, y causó un terremoto. Fue el primer lanzamiento comercial de Elvis Presley, los primeros temblores de una sensación que pronto transformará la cultura popular y creará el culto moderno de la celebridad. Elvis fue el primero en hacer música como si fuera creada por los adolescentes, más que para los adolescentes. Y él era todavía un adolescente cuando hizo ese registro. Después de eso, la industria se dio cuenta de que tenían que hacer los adolescentes música para que gustara.

También había sido escrita y grabada por Arthur "Big Boy" , un blues con una destartalada, sensación polvorienta.

Una grabación por accidente de Presley, realizada también en 1954, le llevó a la fama. Hacia el final de una sesión sin éxito en Sun Studios, durante un descanso de la grabación, Presley comenzó a cantar la canción, junto con Bill Negro en contrabajo y Scotty Moore en la guitarra. Golpeado por el contraste con lo que había venido antes, Sam Phillips, que estaba produciendo la sesión, pidió al trío para funcionar a través de la canción de nuevo, esta vez con la laminación en cinta. La versión de Elvis, en comparación, es precisa y rústica.

Fue u momento de fama para Elvis, ya que no había mucha música para adolescentes.

Elvis comenzó a realizar conciertos por otros lugares, y a acudir a programas de radio para darse a conocer.

No fue sino hasta 1956 que Elvis fue verdaderamente nacional, e internacional.

Se dio a conocer al igual que todos los Beatles. Es un icono en muchos niveles. Comienza con ese momento en la adolescencia, cuando su familia era pobre, el éxito extraordinario en 1956, y luego continúa, sigue y sigue.

BOB DYLAN

Bob Dylan.

Bob Dylan nació con el nombre de Robert Allen, en 1941 en Duluth. En 1947 la familia se mudó a un pequeño pueblo. Allí fue don Bob Dylan comenzó a leer poemas y se interesó por la música, aprendiendo a tocar el piano y la guitarra.

Bob Dylan entró en la universidad de Minnesota. El traslado a la gran ciudad le abrió nuevas posibilidades, permitiéndole conocer un amplio abanico de estilos musicales, desde el country y  hasta el rock.

Desinteresándose por los estudios, Bob Dylan comenzó su carrera como solista, tocando en locales nocturnos. Su único acompañamiento era su guitarra y su armónica, así como su inconfundible voz. Fue en esa época cuando decidió adoptar el nombre artístico de Bob Dylan, en honor al poeta Dylan Thomas.

Bob Dylan abandona definitivamente los estudios y se traslada a Nueva York. Allí conoce a varias leyendas del folk a las que admira y comienza a escribir sus propios temas, incluyendo "Song to Woody".

A raíz de una crítica publicada en el New York Times, un ejecutivo de la discográfica Columbia ofrece un contrato a Dylan para grabar su primer disco, que llevaría el título de Bobo Dylan. Este incluye sólo dos temas originales y el resto eran versiones de temas tradicionales de folk y blues.

Su tema "Blowin' in the wind" en boca de otros artistas folk contribuyó al su éxito consiguió colocar el single en el número dos de la lista de éxitos.

Tras romper la relación que mantenía con la cantante Joan Baez, Dylan contrajo matrimonio con Sara Lowndes. A la par, publicó el álbum "Highway 61 revisited", que contenía el tema single "Like a Rolling Stone".

Tras una exitosa gira por Inglaterra, Bob Dylan se convirtió en la voz más importante de su generación. Pero su imparable carrera se vio interrumpida cuando un accidente de moto le obligó a permanecer durante una larga temporada en casa junto a su familia.

Tras recuperarse, Bob Dylan publicó John Wesley Harding. Este disco fue considerado como el contrapunto a su música. Sorprendentemente el disco alcanzó los primeros puestos de las listas americanas, obteniendo uno de los mayores éxitos comerciales. Además, le supuso el reconocimiento como uno de los grandes poetas de la música.

En este tiempo Bob Dylan participó en el rodaje de la película Pat Garret and Billy the kid, protagonizada por uno de los grandes amigos de Dylan, Kris Kristofferson. La película no tuvo un gran éxito en su estreno, pero la banda sonora es del propio Bob Dylan y sí fue algo a destacar.

Un nuevo éxito le llegó a Dylan con el álbum Slow train coming, con el que consiguió su primer premio Grammy como Mejor Cantante Masculino de Rock.

En septiembre de 1997 se publica Time out of mind, e incluye el tema "Highlands" de 17 minutos de duración. Este fue el primer Disco de Oro de Dylan de la década.

En mayo de ese mismo año, Bob Dylan tuvo que ser hospitalizado con una afección del corazón de la que afortunadamente se recuperó.

SARGENTO PEPPERS. YELLOW SUBMARINE

Sargento Peppers.1967


Sargento Peppers es el octavo álbum de estudio de la banda británica The Beatles.


Publicado el 1 junio de 1967 en el Reino Unido, se dice que es una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos.


Continuando con la maduración artística de la banda, se alejó bastante del pop rock convencional de la época e incorporó elementos poco comunes a su música, como baladas, música psicodélica, music hall, e influencias sinfónicas.


Durante las sesiones de Sargento. Peppers, la banda logró mejorar la calidad en la producción de su música, mientras que experimentaban con nuevas técnicas de grabación; entre ellas, la idea por parte del productor George Martin de incluir una orquesta.


La portada del álbum, extensamente aclamada e imitada, fue inspirada por un dibujo de Paul McCartney en el que estaban The Beatles en un collage junto a sus figuras y celebridades históricas favoritas.


Se convirtió en una sensación popular, obteniendo cuatro Premios Grammy en 1968. Es uno de los álbumes más vendidos de la historia.


Fue agregado al Registro Nacional de la Grabación de la Biblioteca del Congreso por ser «cultural, histórica, o estéticamente significativo»






En 1966, The Beatles estaban ya cansados de las giras y de la presión de la Beatlemanía. Durante la gira por Filipinas, el grupo fue invitado por la primera dama del país Imelda Marcos a un desayuno en el Palacio de Malacañan. La invitación fue rechazada cortésmente por el mánager del grupo Brian Epstein, debido a la política de The Beatles de no aceptar invitaciones presidenciales. Sin embargo, el régimen presidencial se ofendió bastante con este rechazo, por lo que el grupo tuvo que escapar del país en medio de disturbios.


Sumado a eso, al empezar la gira por Estados Unidos a mediados 1966, The Beatles fueron recibidos por organizaciones religiosas extremadamente molestas, provocadas por una declaración de Lennon en marzo, en la cual este opinaba que «The Beatles eran más populares que Jesucristo», mientras que la popularidad del cristianismo estaba decayendo. El odio por The Beatles de parte de las sectas religiosas estadounidenses llegó hasta el punto de amenazar con dispararles y también quemando álbumes del grupo en las afueras de los estadios, tal como lo recordaría Lennon, diciendo:


En el concierto, en Memphis, alguien lanzó un petardo, todos nos miramos al pensar que nos habían disparado, ya que teníamos amenazas de disparos y que el kuklus-klan estaba quemando nuestros álbumes afuera.


Debido a los escándalos vividos, decidieron dar su último concierto oficial en San Francisco. El distanciamiento entre el grupo y sus fanáticos aumentaba cada vez más.


Después del retorno del grupo al Reino Unido, se originaron rumores que aseguraban que la banda había decidido separarse, aunque serían posteriormente desmentidos.


Después de eso, los cuatro Beatles se tomaron unas vacaciones de casi dos meses, en las cuales cada miembro se embarcó en sus proyectos personales.


En noviembre, durante el vuelo de retorno desde Estados Unidos hacia Londres junto con el roadie de la banda, Mal Evans, a McCartney se le ocurrió la idea de crear una banda ficticia que sustituyera a The Beatles, pero este la plasmaría en una canción. Meses más tarde esta canción inspiraría la idea conceptual de Sargento Peppers. Después, cuando los cuatro miembros se juntaron en los estudios, fueron bastante claros con el productor George Martin, diciendo que estaban cansados de tocar en público y que esto les serviría para empezar de cero.


El álbum comienza con el sonido de una orquesta afinando sus instrumentos, para luego dar paso a la canción de Sargento Peppers, la cual presenta a la banda misma y a su líder ficticio interpretado por Ringo Starr.


Un reprise de la canción que le da el título al álbum aparece como la penúltima canción del álbum, idea también concebida por Aspinall, como una especie de canción de despedida.


Sin pausa alguna, comienza el llamado ´álbum, A Day in the Life. Sin embargo, la banda abandonó el concepto original exceptuando las dos primeras canciones y al reprise de la primera, por lo que la trama del álbum se termina convirtiendo en una narración enmarcada. De hecho, el propio Lennon reconoció que las canciones que escribió para el álbum no tienen nada que ver con el concepto de Sargento Peppers, el álbum ha sido ampliamente señalado como un temprano e innovador ejemplo de un álbum conceptual.


El álbum destacaba tanto por su música, como por su concepto. La portada, incluyó una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres.

También se podía observar a la derecha de los Beatles unas figuras de ellos mismos en sus primeros años de fama. También iban a aparecer las figuras de Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero estas fueron omitidas a fin de no ofender a hindúes, judíos y cristianos.


Mucha gente creyó que la portada contenía un mensaje oculto sobre la supuesta muerte de Paul Mc. , ya que en la parte inferior de ellos parecía haber una tumba adornada con flores y un bajo, hecho de flores mirando al lado izquierdo, ya que el músico es zurdo, y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle.

Yellow submarine

Se cuenta que Paul escribió esta canción una noche mientras estaba tendido en su cama en esa etapa del sueño cuando una persona se encuentra entre dormida y despierta, y simplemente se le vino a la cabeza la idea del submarino amarillo.

Entre los "efectos especiales" de esta canción podemos oír a Paul y a Jhon haciendo burbujas en un balde con agua, a Alf Bicknes sacudiendo una cadena en una tina y a Brian Jones (de The Rolling Stones) haciendo chocar vasos de cristal

Cuando el tema salió a la luz, todos asumieron que estaba relacionado con las drogas excepto Paul, quien señaló que lo único que relacionaba con submarino amarillo eran unos dulces azucarados que él había probado alguna vez en Grecia Inevitablemente, la juventud comenzó a nombrar a las drogas duras como "Yellow Submarine"

Yellow Submarine es una pélicula animada de 1968 basada en la canción de The Beatles. Fue dirigida por el animador canadiense George Dunning.Los mismos Beatles aparecen sólo en el casi final de la película, con los Beatles animados doblados con otros actores

Pepperland es un alegre paraíso musical bajo el mar, protegida por la Sargento Peppers, el cual cae bajo un ataque sorpresivo por los Blue Meanies, quienes odian la música. Su ataque consiste en encerrar a la banda en una burbuja, paralizan a los ciudadanos y convertirlo todo en color azul.

El anciano alcalde de Pepperland envía al Joven Fred en un abandonado submarino amarillo para buscar ayuda. Fred llega a Liberpool donde sigue al deprimido y cabizbajoRingo y lo persuade para que lo ayude. Ringo procede a reunir a sus amigos Jhon, George y finalmente Paul. Los cinco viajeros parten a Pepperland en el submarino amarillo, pasando a través de diferentes mares.

Reunidos con el Viejo Fred y el submarino, imitan a la Sargento Peppers y alzan al país en rebelión, Jeremy es rescatado y todo florece y se vuelve colorido. Pepperland se restablece. Los Meanies son obligados a rendirse, John ofrece su amistad, a la que el Jefe Blue Meanie acepta. Y para acabar se produce una gran fiesta.

Al final del filme, The Beatles hacen una aparición en persona, al día siguiente, con unos recuerdos. John advierte de la presencia de nuevos Blue Meanies y cantan un reprise de All Together Now, el cual finaliza con una variación del título de la canción en diferentes idioma.

EL ARTE

Artistas callejeros

Muchos de los artistas callejeros son personas que se dedican a regalar su talento por las calles de las ciudades, pero otros muchos son aquellos que lo hacen por ganarse algunas monedas para seguir en adelante.

Aquí dejo algunas muestras del verdadero arte callejero que he encontrado, porque muchas veces sin palabras, solo con imágenes es como se valora de verdad todo lo que valen las cosas.

MÚSICA

2 Cellos

Šulić, nacido en Maribor, Eslovenia, y Hauser, de Pula, Croacia, se encontraron en una clase maestra en Croacia cuando aún eran adolescentes. Ingresaron juntos la Academia de Música en Zagreb, y ambos viajaron a estudiar en Viena. El dúo salto a la fama después de su versión de Smooth Criminal se volviera un éxito en YouTube recibiendo sobre tres millones de reproducciones en las dos primeras semanas. La creación del vídeo musical fue empujada por las dificultades financieras de los violonchelistas, a pesar de su éxito musical en el Reino Unido. El dúo se reunió en Pula, donde un director les propuso que intentaran en el mercado de música pop creando un vídeo de "Smooth Criminal". El vídeo, originalmente publicado el 20 de enero de 2011 muestra a Šulić y Hauser enfrentados solos en un gran salón blanco, tocando la melodía de Jackson. De hecho, antes que fueran compañeros, los dos violonchelistas a veces se consideraban rivales, compitiendo entre ellos en concursos musicales.

A raíz de la fama empezaron a publicar discos con los que rápidamente realizaron giras junto a grandes famosos de la música.

Claro que aunque empezaron a tener fama nunca se olvidaron del origen de la música, y por ello siguen trabajando con música clásica y otros temas antiguos.

LOS SIMS

Los Sims

Los Sims es un videojuego de simulación social y estrategia creado por el diseñador de videojuegos Will Wright en el año 2000.

Desde 1981, Will Wright había conseguido resultados similares con el popular juego SimCity con todas sus secuelas. El éxito de sus videojuegos se basa en su filosofía creativa de aplicar teorías científicas para el diseño de simuladores de vida, ya sea de una ciudad, un planeta, un hormiguero o, como en Los Sims, una comunidad vecinal.

Los Sims es el primer videojuego de este género en el que cada ser vivo tiene personalidad propia y se controla individualmente de forma directa. Como curiosidad, antes de publicarse, los creadores llamaban al juego "casa de muñecas" o "el juego del inodoro", puesto que era el único videojuego que incorporaba un retrete totalmente funcional y que personajes de diferente género usaban de maneras diferentes (levantaban o no la tapa).


El juego consiste en crear personajes llamados Sims y construirles una vida, satisfacer sus necesidades y cumplir sus sueños. El juego, en perspectiva isométrica, permite diseñarles a los Sims una casa y abastecerla con todos los objetos que se requieran para satisfacer sus necesidades. El juego posee una opción de modo libre con la que los personajes pueden realizar sus actividades por sí solos, aunque lo normal es que el jugador intervenga dándoles órdenes. El jugador deberá satisfacer las necesidades básicas de los Sims, como comer, dormir, o ir al baño, entre otras. Para sustentar la economía de la casa, los Sims deberán buscar trabajo y ganar dinero del juego, el juego ofrece una variada línea de trabajos, y el personaje podrá ir ascendiendo en su trabajo dependiendo de las habilidades que tenga y la cantidad de amigos.

A parte de intervenir con los sims, también se interviene creando un hogar para vivir, en el que ganando dinero tienes la oportunidad de crear verdaderos hogares bonitos con los que puedes ampliar la imaginación y te ayudan a saber cómo diseñar interiores y exteriores que podrás utilizar para dar ideas en tu día a día.

Es un buen juego para empezar a moverte por el mundo del interiorismo, ya que tiene aplicaciones que te permiten crear espacios accesibles a tus personajes.

El juego te enseña a crear hogares con interiores y exteriores; y a ampliar tu imaginación.

CHESTER

Viajando con Chester

Viajando con Chester es un programa de televisión español, de género periodístico, presentado por el publicista Risto Mejide. El programa, de emisión semanal, se estrenó el 23 de febrero de 2014. Consiste en que Risto trata de entrevistar a todo tipo de persona, ya sea músico, político, actor, torero o incluso a propios periodistas, todos ellos relevantes en la actualidad social.

Cada programa lo realiza en un escenario distinto, pero siempre sentados los dos, tanto Risto como el entrevistado, en un sofá.

Como curiosidad, cabe destacar que Chester es el sofá, el cual varía su tapiz según los gustos y personalidad de cada invitado. Este sofá será posteriormente subastado y la recaudación obtenida se destinará a una causa benéfica elegida por cada personaje entrevistado.

Risto Mejide es un publicista, director creativo, colaborador de televisión y escritor español, que se dio a la fama por su carácter sobrio y prepotente que utilizó en el programa Operación Triunfo. A raíz de ahí ha sido llamado para más programas, ya que su actitud le hizo alcanzar la fama y era lo que los telespectadores buscaban, algo que les sorprenda para bien o para mal, como Risto Mejide.

El sofá, Chester, se caracteriza por representar al personaje entrevistado, y colocado en un lugar que se relacione con ellos.

En esta foto Risto entrevista a Pablo Iglesias, por ello el sofá se encuentra en un lugar libre y escrito con algunas de sus frases o palabras más utilizadas, que le representan.

Aquí se encuentran también al aire libre y divididos por distintas banderas, ya que la entrevista que Risto realiza es sobre la independencia.

Se encuentran en un interior de televisión, ya que el entrevistado es Jorge Javier, otro presentador de televisión. El sofá lleva un estampado divertido y colorido, representando a Jorge Javier.

En esta entrevista se encuentran en una nave de aviones por el altercado que tuvo el cantante Melendi hace años al subirse a un avión. Y el estampado sencillo como se representa Melendi a él mismo.

PELÍCULAS MUDAS

El origen del cine mudo

La técnica del cine consiste en proyectar imágenes a intervalos regulares para crear la ilusión de movimiento. El cine mudo es el cine primitivo consiste simplemente en imágenes, y no posee sonido de ninguna especie. Esto debido a que la tecnología de la época no lo permitía, pues la idea siempre estuvo presente. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película.

Desde los comienzos se buscó combinar imagen y sonido grabado, pero recién a fines de la década de los 20 se generalizó el cine sonoro. El sistema para introducir el sonido en el cine es el Vitaphone.

El primer largometraje sonoro fue “El cantante de jazz”.

La primera película de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince (1888). Su duración era dos segundos y mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.

A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez. Los expertos sostienen que la calidad del cien bajó cuando se introdujo el cine sonoro, y que le tomó varios años recuperarse. La calidad visual de las películas en los años 20 era muy alta.

Para complementar la falta de audio, se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. Surge entonces el escritor de títulos (como se llamaba en la época) como un profesional de la época muda y tomó una importancia equiparable con la del guionista. Los títulos tomaron importancia, convirtiéndose en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película.

La proyección de las películas mudas estaba acompañada por música en vivo, por lo general, improvisada por un pianista o ejecutante del órgano. Se comprendió muy temprano la importancia de la ambientación musical.

El cine mudo se convirtió en la principal fuente de empleo de los músicos de esa época, lo que acabó cuando apareció el cine sonoro.

La aparición del cine ocurre el 28 de diciembre de 1895, y se atribuye a los hermanos Lumiére, que proyectaron imágenes en movimiento frente a un auditorio. El suceso provocado por el invento, llevó a una rápida evolución del mismo, y para 1899, ya se había producido un filme de 15 minutos.

El cine es una técnica de proyectar fotogramas en una secuencia rápida que simula el movimiento. La palabra cine, viene del griego y significa movimiento.

El origen del cine se remonta al 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumiére, proyectaron imágenes en movimiento frente a una audiencia. También produjeron una serie de cortometrajes documentales que tuvieron gran éxito en su momento, con temáticas como obreros a la salida de una fábrica, un jardinero regando el césped, la olas rompiendo en la orilla. Su cortometraje más impresionante fue el de un tren del correo avanzando hacia el espectador, lo que producía gran conmoción en el público.

El origen del cine, las primeras películas:

En 1896, el ilusionista francés Georges Méliés, demostró ya en el origen del cine, que este instrumento servía no sólo para reproducir la realidad, sino que podía falsearla, con lo que surgió el cine de una sola bobina.

Méliés rodó el primer filme de larga duración, de quince minutos, “El caso Dreyfus” (1899) y en 1900, filmó “Cenicienta” de 20 escenas. Pero sus filmes más notables son “Viaje a la luna” de 1902, “Alucinaciones del barón de Münchhausen”, donde experimenta con los trucos fotográficos. Descubrió que si se detenía la cámara en medio de una toma y se reorganizaban los elementos de la escenografía, antes de continuar, se podía crear la ilusión del movimiento de objetos, o la desaparición, entre otros. También experimentó con superposiciones, retrocediendo la película antes de comenzar la siguiente toma, de forma que se superpusieran las imágenes. Sus cortometrajes obtuvieron éxito mundial inmediato.

En el estudio de Edison en Estados Unidos, Edwin S. Porter unió el estilo documental de los Lumiére y las fantasías de Méliés, para dar origen al cine de ficción. Produjo la primera película norteamericana de interés, “Asalto y robo de un tren” en 1903, con una duración de 8 minutos. Incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas en distintos momentos y locaciones, componiendo una unidad narrativa.

Primera película de los lumiere

IKEA

Los grandes anuncios publicitarios de una marca con gran carisma y personalidad

Fundada en 1943, IKEA es una compañía multinacional neerlandesa de origen sueco dedicada a la venta de muebles y objetos para el hogar y la decoración, que durante los últimos años ha logrado alcanzar sin duda su cuota más alta de popularidad.

No cabe duda de que son muchos los factores que han servido para impulsar esta marca a nivel internacional. Su apuesta permanente por las acciones de marketing innovadoras y creativas más allá de las propuestas tradicionales y su carismática publicidad televisiva, han formado parte para su fórmula con la que han logrado tal crecimiento.

Los spot y anuncios televisivos de IKEA tienen magia, cuentan historias, sorprenden y emocionan. Pero sobretodo, han sabido conquistar tanto a los propios consumidores como a los apasionados de la publicidad. En los últimos años, IKEA ha convertido su publicidad en un reflejo de su propia filosofía comercial, otorgando a la propia marca un gran carisma y una personalidad de carácter único.

Gracias a que la publicidad de IKEA ha sabido conquistar a los telespectadores, por su imaginación, han aprovechado para meter en sus anuncios la novedad de tener en casa todo lo que se quiera a un buen precio económico, para así poder llegar a toda clase de cliente.

El eslogan más utilizado en esta empresa, que ha sido capaz de llegar a todos los públicos y capaz de permanecer grabado en sus memorias: “bienvenido a la república independiente de mi casa”

Como prueba de ello he recogido una selección de excelentes anuncios publicitarios de IKEA que sin duda merecen la pena destacar. Spot repletos de creatividad que seguro no te dejarán indiferente. 

PAUL CEZANNE

5 grandes obras de Paul Cézanne

Paul Cézanne, hijo de un banquero, comenzó sus estudios en un colegio de su ciudad natal, allí hizo relación con Émile Zola. Cuando finalizó, se matriculó por influencia de su padre en la facultad de derecho, pero en verdad descubrió que su vocación era la pintura.

Así instaló su primer estudio en la casa campo de su padre, hasta que posteriormente su madre y hermana le animaron a ir a Paris para reunirse con Zola. Allí se instaló en la Academia Suiza para luego poder ingresar en la Academia de Bellas Artes.

Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y trabajó en el banco con su padre, pero más tarde decidió volver a París, ya que definitivamente se decidió por la pintura. Volvió a estudiar en la Academia, donde conoció a Pissarro, gracias a esta amistad que obtuvo, Cézanne dio un giro a su estilo, soltándose de las normas académicas y de la parte sombría que le caracterizaba.

Cuando ya por fin se decidió a exponer, sus obras fueron varias veces rechazadas por el Salón de Otoño, lo que le provocó un profundo resquemor.

Conoció a una modelo, con la que tuvo un hijo.

En París realizó una exposición de paisajes, junto con Pissarro entre otros, durante el período impresionista.

Más tarde su padre falleció, y Cézanne abandonó a su mujer e hijo volviendo a instalarse en Aix, donde pintó una serie de cuadros de montaña de Sainte-Victoire.

Continuó con su actividad en el anonimato, hasta que se organizó una exposición sobre su obra, la cual fue bien recibida por la crítica, que le abrió más puertas hacia la pintura.

El Salón de Otoño le dedicó una sala de forma exclusiva, en reconocimiento póstumo, esto fue un acontecimiento fundamental para las próximas vanguardias. Cézanne murió dos años después. Esta exposición representó a Cézanne como el padre del cubismo y el fauvismo.

Aquí las 5 grandes obras de Cézanne:

Le Chateau Noir. 1904. Óleo sobre lienzo.

En una colina cerca de la cantera Bibémus había una antigua casa conocida como el Château Noir. Cézanne comenzó a pintar en el área de alrededor, encontrando numerosos motivos en los bosques de la finca. La casa, en su aislamiento decrépito, inspiró algunas de las imágenes más premonitorias del artista. Los espacios cerrados de las pinturas del Château Noir y la cantera Bibémus cuentan entre sus más emocionalmente profunda imágenes y son indicativos de una melancolía decidida que impregna la obra de Cézanne en su última década. Por este tiempo, que sufren de diabetes, el artista se había obsesionado con la realidad de su propia mortalidad.

Los grandes bañistas. 1905. Óleo sobre lienzo.

En esta parte final de la carrera de Cézanne, hay una preocupación de síntesis entre dos fuentes de inspiración: la memoria y la naturaleza. En este caso Cézanne utiliza la parte mental, memoria, para realizar una obra basada en el triángulo.

El entorno que sirve de decorado es el de unos bañistas a orillas del río Arc.

En cuerpo humano deja de ser sensual, para ser un elemento de la composición.

El dibujo que delimita los cuerpos no impide que los colores del entorno se mezclen e invadan a algunas de las figuras humanas, que parecen tener el tratamiento propio de meros objetos.

La sensación de profundidad en el espacio se logra mediante la hábil disposición de los cuerpos en planos sucesivos, y potenciada por el uso de masas de colores cálidos y fríos alternando.

Los jugadores de naipes. 1892. Óleo sobre lienzo.

Un ejemplo de obra de transición entre la etapa constructiva y la sintética es la conocida obra Los jugadores de cartas (1892-93). Los personajes están construidos, en cuanto a masas y volúmenes, mediante el uso del color.

Hay una cierta desproporción entre el tamaño de las cabezas y la de los cuerpos. Se trata de un recurso para transmitir mayor sensación de masa, de estructura en las formas. Así, los brazos son cilíndricos, lo mismo que el sombrero del jugador de la izquierda. El sombrero del otro jugador parece semiesférico. Cézanne se esfuerza por reducir las formas imperfectas de los objetos tal y como se presentan a la sensación, a las formas puras que constituyen su esencia duradera.

Naturaleza muerta con manzanas y naranjas. 1899. Óleo sobre lienzo.

Meyer Shapiro subrayó la suntuosidad casi regia de esta naturaleza muerta, de la que parece emanar toda la alegría del pintor por la abundancia y la profusión de las cosas coloreadas. En la mesa, en el plato, en el frutero, el pintor dispone luego las manzanas y las naranjas, observándolas desde puntos de vista diferentes, para exhibir con mayor claridad su volumen volumétrico y su precisa función pictórica.


El cuadro está construido con arreglo a un vertiginoso movimiento diagonal que crece de izquierda a derecha, y hasta las frutas están dispuestas en pirámide para acentuar el efecto dinámico y ascensional de toda composición. Toda diferencia entre profundidad y superficie es debidamente disimulada y las cosas se proyectan hacía delante, ostentando su forma pura y esencial y el modo con que dialogan con el espacio. El efecto es denso, casi de amontonamiento: el cuadro parece organizado en todas sus partes con precisión geométrica y brilla a merced al intenso cromatismo de las frutas , verdadera sinfonía de amarillos, anaranjados rojos, que repiten sus vibrantes valores incluso en las flores que adornan el tapiz.

La casa del ahorcado. 1873. Óleo sobre lienzo.

Entre los años 1873 y 1879 Cézanne realizaba frecuentes sesiones de trabajo con Pissarro, realizando varias estancias con él en Pontoise y Auvers-sur-Oise. Como consecuencia de su trabajo con Pissarro, Cézanne aclara su paleta, utilizando colores más claros.

Esta «Casa del ahorcado», de 1873-74 es un ejemplo del trabajo de Cézanne en su intento de superar la captación fugaz del momento de los impresionistas. En este cuadro realiza una composición espacial más elaborada. Las formas son sólidas, se han materializado, en contraste con el enfoque puramente impresionista, que sobre todo enfatiza el papel de la luz en su incidencia sobre los objetos.

De la obra destaca el personal sentido de masa y de planos en interacción de Cézanne. En esta obra es evidente que Cézanne ha asimilado el uso de la luz y el color según los principios del Impresionismo. Sin embargo, pierde la pincelada típica de este estilo.

PRIMERA FOTOGRAFIA

Primera Fotografía

La primera fotografía de la historia que se conserva fue tomada en 1826 por el ingeniero francés Nicéphore Niépce, desde la ventana de su granero, en Francia. El análisis de la fotografía ha revelado los materiales utilizados por Nicéphore: una placa fotográfica de estaño pesado recubierta con una mezcla líquida de betún de Judea y aceite de lavanda, que se endurece al exponerse a la luz.

Joseph Nicéphore Niépce ha pasado a la historia por ser el hombre que consiguió la primera fotografía, logrando imágenes mediante el método que denominó heliografía.

Louis Daguerre tomo su idea y la mejoró logrando su propia fama. Durante los primeros años experimentó con barnices sensibles a la luz, con cloruro de plata, pero, no fue capaz de conseguir imágenes permanentes y que no se terminaran desvaneciendo. Después probó con betún de judea lorgando mejores resultados. Más tarde, en 1822, comienza a conseguir resultados duraderos, pero esos primeros negativos quedan destruidos al intentar positivarlos.

Niépce nunca fue un buen dibujante, cuando perdió a su hijo con grandes cualidades artísticas tras su decisión de alistarse en el ejército, tuvo que aprovechar su experiencia como litógrafo y químico para buscar nuevas formas de producir.

Según él mismo trataba de buscar un método gráfico que le permitiese reflejar la realidad sin tener que recurrir a la habilidad de ser bueno con el dibujo. Una obsesión que le llevó al descubrimiento de algo grande, como ha ocurrido muchas veces en la historia.

Sin embargo, la primera fotografía, de Joseph Nicéphore Niépce, para las casas de subastas fue ésta la titulada Tirando de un Caballo, una reproducción de un grabado holandés, que se considera de 1825. De hecho, fue vendida en marzo de 2002 al Museo Nacional de Francia.

Durante los años siguientes comenzó a experimentar con barnices sensibles a la luz, y más tarde con cloruro de plata, pero, como muchos coetáneos, no fue capaz de conseguir imágenes permanentes y que no se terminaran desvaneciendo.

Sus mejores resultados los consiguió cuando decidió untar betún de Judea sobre placas litográficas para inmortalizar sus imágenes. En 1822, Niépce tomó un grabado del Papa Pío VII, y lo untó en aceite para hacerlo transparente. Expuso ese grabado a la luz del sol, dejando la placa untada en betún detrás, de tal modo que la luz del sol pasase a través de las partes claras del grabado endureciendo la capa de betún de Judea a la placa, dejando las partes de sombra sin endurecer. Después, tomó la placa litográfica y la sumergió en aceite de lavanda, de tal modo que las partes no endurecidas se disolvieron, dejando el grabado plasmado en la placa.

Esta réplica se perdió, y pocos años después llegarían las que serían las primeras fotografías conservadas.

Existe mucha controversia para determinar cuál fue verdaderamente la primera fotografía, aunque la que más comúnmente se ha reconocido como la primera fotografía de la historia se trata de Punto de vista desde la VENTANA de Gras, tomada a través de su ventana en 1826.