Muchos de los artistas callejeros son personas que se dedican a regalar su talento por las calles de las ciudades, pero otros muchos son aquellos que lo hacen por ganarse algunas monedas para seguir en adelante.
Aquí dejo algunas muestras del verdadero arte callejero que he encontrado, porque muchas veces sin palabras, solo con imágenes es como se valora de verdad todo lo que valen las cosas.
Šulić, nacido en Maribor, Eslovenia, y Hauser, de Pula, Croacia, se encontraron en una clase maestra en Croacia cuando aún eran adolescentes. Ingresaron juntos la Academia de Música en Zagreb, y ambos viajaron a estudiar en Viena. El dúo salto a la fama después de su versión de Smooth Criminal se volviera un éxito en YouTube recibiendo sobre tres millones de reproducciones en las dos primeras semanas. La creación del vídeo musical fue empujada por las dificultades financieras de los violonchelistas, a pesar de su éxito musical en el Reino Unido. El dúo se reunió en Pula, donde un director les propuso que intentaran en el mercado de música pop creando un vídeo de "Smooth Criminal". El vídeo, originalmente publicado el 20 de enero de 2011 muestra a Šulić y Hauser enfrentados solos en un gran salón blanco, tocando la melodía de Jackson. De hecho, antes que fueran compañeros, los dos violonchelistas a veces se consideraban rivales, compitiendo entre ellos en concursos musicales.
A raíz de la fama empezaron a publicar discos con los que rápidamente realizaron giras junto a grandes famosos de la música.
Claro que aunque empezaron a tener fama nunca se olvidaron del origen de la música, y por ello siguen trabajando con música clásica y otros temas antiguos.
Los Sims es un videojuego de simulación social y estrategia creado por el diseñador de videojuegos Will Wright en el año 2000.
Desde 1981, Will Wright había conseguido resultados similares con el popular juego SimCity con todas sus secuelas. El éxito de sus videojuegos se basa en su filosofía creativa de aplicar teorías científicas para el diseño de simuladores de vida, ya sea de una ciudad, un planeta, un hormiguero o, como en Los Sims, una comunidad vecinal.
Los Sims es el primer videojuego de este género en el que cada ser vivo tiene personalidad propia y se controla individualmente de forma directa. Como curiosidad, antes de publicarse, los creadores llamaban al juego "casa de muñecas" o "el juego del inodoro", puesto que era el único videojuego que incorporaba un retrete totalmente funcional y que personajes de diferente género usaban de maneras diferentes (levantaban o no la tapa).
El juego consiste en crear personajes llamados Sims y construirles una vida, satisfacer sus necesidades y cumplir sus sueños. El juego, en perspectiva isométrica, permite diseñarles a los Sims una casa y abastecerla con todos los objetos que se requieran para satisfacer sus necesidades. El juego posee una opción de modo libre con la que los personajes pueden realizar sus actividades por sí solos, aunque lo normal es que el jugador intervenga dándoles órdenes. El jugador deberá satisfacer las necesidades básicas de los Sims, como comer, dormir, o ir al baño, entre otras. Para sustentar la economía de la casa, los Sims deberán buscar trabajo y ganar dinero del juego, el juego ofrece una variada línea de trabajos, y el personaje podrá ir ascendiendo en su trabajo dependiendo de las habilidades que tenga y la cantidad de amigos.
A parte de intervenir con los sims, también se interviene creando un hogar para vivir, en el que ganando dinero tienes la oportunidad de crear verdaderos hogares bonitos con los que puedes ampliar la imaginación y te ayudan a saber cómo diseñar interiores y exteriores que podrás utilizar para dar ideas en tu día a día.
Es un buen juego para empezar a moverte por el mundo del interiorismo, ya que tiene aplicaciones que te permiten crear espacios accesibles a tus personajes.
El juego te enseña a crear hogares con interiores y exteriores; y a ampliar tu imaginación.
Viajando con Chester es un programa de televisión español, de género periodístico, presentado por el publicista Risto Mejide. El programa, de emisión semanal, se estrenó el 23 de febrero de 2014. Consiste en que Risto trata de entrevistar a todo tipo de persona, ya sea músico, político, actor, torero o incluso a propios periodistas, todos ellos relevantes en la actualidad social.
Cada programa lo realiza en un escenario distinto, pero siempre sentados los dos, tanto Risto como el entrevistado, en un sofá.
Como curiosidad, cabe destacar que Chester es el sofá, el cual varía su tapiz según los gustos y personalidad de cada invitado. Este sofá será posteriormente subastado y la recaudación obtenida se destinará a una causa benéfica elegida por cada personaje entrevistado.
Risto Mejide es un publicista, director creativo, colaborador de televisión y escritor español, que se dio a la fama por su carácter sobrio y prepotente que utilizó en el programa Operación Triunfo. A raíz de ahí ha sido llamado para más programas, ya que su actitud le hizo alcanzar la fama y era lo que los telespectadores buscaban, algo que les sorprenda para bien o para mal, como Risto Mejide.
El sofá, Chester, se caracteriza por representar al personaje entrevistado, y colocado en un lugar que se relacione con ellos.
En esta foto Risto entrevista a Pablo Iglesias, por ello el sofá se encuentra en un lugar libre y escrito con algunas de sus frases o palabras más utilizadas, que le representan.
Aquí se encuentran también al aire libre y divididos por distintas banderas, ya que la entrevista que Risto realiza es sobre la independencia.
Se encuentran en un interior de televisión, ya que el entrevistado es Jorge Javier, otro presentador de televisión. El sofá lleva un estampado divertido y colorido, representando a Jorge Javier.
En esta entrevista se encuentran en una nave de aviones por el altercado que tuvo el cantante Melendi hace años al subirse a un avión. Y el estampado sencillo como se representa Melendi a él mismo.
La técnica del cine consiste en proyectar imágenes a intervalos regulares para crear la ilusión de movimiento. El cine mudo es el cine primitivo consiste simplemente en imágenes, y no posee sonido de ninguna especie. Esto debido a que la tecnología de la época no lo permitía, pues la idea siempre estuvo presente. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película.
Desde los comienzos se buscó combinar imagen y sonido grabado, pero recién a fines de la década de los 20 se generalizó el cine sonoro. El sistema para introducir el sonido en el cine es el Vitaphone.
El primer largometraje sonoro fue “El cantante de jazz”.
La primera película de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince (1888). Su duración era dos segundos y mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.
A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez. Los expertos sostienen que la calidad del cien bajó cuando se introdujo el cine sonoro, y que le tomó varios años recuperarse. La calidad visual de las películas en los años 20 era muy alta.
Para complementar la falta de audio, se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. Surge entonces el escritor de títulos (como se llamaba en la época) como un profesional de la época muda y tomó una importancia equiparable con la del guionista. Los títulos tomaron importancia, convirtiéndose en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película.
La proyección de las películas mudas estaba acompañada por música en vivo, por lo general, improvisada por un pianista o ejecutante del órgano. Se comprendió muy temprano la importancia de la ambientación musical.
El cine mudo se convirtió en la principal fuente de empleo de los músicos de esa época, lo que acabó cuando apareció el cine sonoro.
La aparición del cine ocurre el 28 de diciembre de 1895, y se atribuye a los hermanos Lumiére, que proyectaron imágenes en movimiento frente a un auditorio. El suceso provocado por el invento, llevó a una rápida evolución del mismo, y para 1899, ya se había producido un filme de 15 minutos.
El cine es una técnica de proyectar fotogramas en una secuencia rápida que simula el movimiento. La palabra cine, viene del griego y significa movimiento.
El origen del cine se remonta al 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumiére, proyectaron imágenes en movimiento frente a una audiencia. También produjeron una serie de cortometrajes documentales que tuvieron gran éxito en su momento, con temáticas como obreros a la salida de una fábrica, un jardinero regando el césped, la olas rompiendo en la orilla. Su cortometraje más impresionante fue el de un tren del correo avanzando hacia el espectador, lo que producía gran conmoción en el público.
El origen del cine, las primeras películas:
En 1896, el ilusionista francés Georges Méliés, demostró ya en el origen del cine, que este instrumento servía no sólo para reproducir la realidad, sino que podía falsearla, con lo que surgió el cine de una sola bobina.
Méliés rodó el primer filme de larga duración, de quince minutos, “El caso Dreyfus” (1899) y en 1900, filmó “Cenicienta” de 20 escenas. Pero sus filmes más notables son “Viaje a la luna” de 1902, “Alucinaciones del barón de Münchhausen”, donde experimenta con los trucos fotográficos. Descubrió que si se detenía la cámara en medio de una toma y se reorganizaban los elementos de la escenografía, antes de continuar, se podía crear la ilusión del movimiento de objetos, o la desaparición, entre otros. También experimentó con superposiciones, retrocediendo la película antes de comenzar la siguiente toma, de forma que se superpusieran las imágenes. Sus cortometrajes obtuvieron éxito mundial inmediato.
En el estudio de Edison en Estados Unidos, Edwin S. Porter unió el estilo documental de los Lumiére y las fantasías de Méliés, para dar origen al cine de ficción. Produjo la primera película norteamericana de interés, “Asalto y robo de un tren” en 1903, con una duración de 8 minutos. Incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas en distintos momentos y locaciones, componiendo una unidad narrativa.
Los
grandes anuncios publicitarios de una marca con gran carisma y personalidad
Fundada en 1943, IKEA es una compañía multinacional
neerlandesa de origen sueco dedicada a la venta de muebles y objetos para el
hogar y la decoración, que durante los últimos años ha logrado alcanzar sin
duda su cuota más alta de popularidad.
No cabe duda de que son muchos los factores que han
servido para impulsar esta marca a nivel internacional. Su apuesta permanente
por las acciones de marketing innovadoras y creativas más allá de las
propuestas tradicionales y su carismática publicidad televisiva, han formado
parte para su fórmula con la que han logrado tal crecimiento.
Los spot y anuncios televisivos de IKEA tienen magia,
cuentan historias, sorprenden y emocionan. Pero sobretodo, han sabido
conquistar tanto a los propios consumidores como a los apasionados de la
publicidad. En los últimos años, IKEA ha convertido su publicidad en un reflejo
de su propia filosofía comercial, otorgando a la propia marca un gran carisma y
una personalidad de carácter único.
Gracias a que la publicidad de IKEA ha sabido conquistar
a los telespectadores, por su imaginación, han aprovechado para meter en sus
anuncios la novedad de tener en casa todo lo que se quiera a un buen precio
económico, para así poder llegar a toda clase de cliente.
El eslogan más utilizado en esta empresa, que ha sido
capaz de llegar a todos los públicos y capaz de permanecer grabado en sus
memorias: “bienvenido a la república independiente de mi casa”
Como prueba de ello he recogido una selección de
excelentes anuncios publicitarios de IKEA que sin duda merecen la pena
destacar. Spot repletos de creatividad que seguro no te dejarán indiferente.
Paul Cézanne, hijo de un banquero, comenzó sus estudios en un colegio de su ciudad natal, allí hizo relación con Émile Zola. Cuando finalizó, se matriculó por influencia de su padre en la facultad de derecho, pero en verdad descubrió que su vocación era la pintura.
Así instaló su primer estudio en la casa campo de su padre, hasta que posteriormente su madre y hermana le animaron a ir a Paris para reunirse con Zola. Allí se instaló en la Academia Suiza para luego poder ingresar en la Academia de Bellas Artes.
Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y trabajó en el banco con su padre, pero más tarde decidió volver a París, ya que definitivamente se decidió por la pintura. Volvió a estudiar en la Academia, donde conoció a Pissarro, gracias a esta amistad que obtuvo, Cézanne dio un giro a su estilo, soltándose de las normas académicas y de la parte sombría que le caracterizaba.
Cuando ya por fin se decidió a exponer, sus obras fueron varias veces rechazadas por el Salón de Otoño, lo que le provocó un profundo resquemor.
Conoció a una modelo, con la que tuvo un hijo.
En París realizó una exposición de paisajes, junto con Pissarro entre otros, durante el período impresionista.
Más tarde su padre falleció, y Cézanne abandonó a su mujer e hijo volviendo a instalarse en Aix, donde pintó una serie de cuadros de montaña de Sainte-Victoire.
Continuó con su actividad en el anonimato, hasta que se organizó una exposición sobre su obra, la cual fue bien recibida por la crítica, que le abrió más puertas hacia la pintura.
El Salón de Otoño le dedicó una sala de forma exclusiva, en reconocimiento póstumo, esto fue un acontecimiento fundamental para las próximas vanguardias. Cézanne murió dos años después. Esta exposición representó a Cézanne como el padre del cubismo y el fauvismo.
Aquí las 5 grandes obras de Cézanne:
Le Chateau Noir. 1904. Óleo sobre lienzo.
En una colina cerca de la cantera Bibémus había una antigua casa conocida como el Château Noir. Cézanne comenzó a pintar en el área de alrededor, encontrando numerosos motivos en los bosques de la finca. La casa, en su aislamiento decrépito, inspiró algunas de las imágenes más premonitorias del artista. Los espacios cerrados de las pinturas del Château Noir y la cantera Bibémus cuentan entre sus más emocionalmente profunda imágenes y son indicativos de una melancolía decidida que impregna la obra de Cézanne en su última década. Por este tiempo, que sufren de diabetes, el artista se había obsesionado con la realidad de su propia mortalidad.
Los grandes bañistas. 1905. Óleo sobre lienzo.
En esta parte final de la carrera de Cézanne, hay una preocupación de síntesis entre dos fuentes de inspiración: la memoria y la naturaleza. En este caso Cézanne utiliza la parte mental, memoria, para realizar una obra basada en el triángulo.
El entorno que sirve de decorado es el de unos bañistas a orillas del río Arc.
En cuerpo humano deja de ser sensual, para ser un elemento de la composición.
El dibujo que delimita los cuerpos no impide que los colores del entorno se mezclen e invadan a algunas de las figuras humanas, que parecen tener el tratamiento propio de meros objetos.
La sensación de profundidad en el espacio se logra mediante la hábil disposición de los cuerpos en planos sucesivos, y potenciada por el uso de masas de colores cálidos y fríos alternando.
Los jugadores de naipes. 1892. Óleo sobre lienzo.
Un ejemplo de obra de transición entre la etapa constructiva y la sintética es la conocida obra Los jugadores de cartas (1892-93). Los personajes están construidos, en cuanto a masas y volúmenes, mediante el uso del color.
Hay una cierta desproporción entre el tamaño de las cabezas y la de los cuerpos. Se trata de un recurso para transmitir mayor sensación de masa, de estructura en las formas. Así, los brazos son cilíndricos, lo mismo que el sombrero del jugador de la izquierda. El sombrero del otro jugador parece semiesférico. Cézanne se esfuerza por reducir las formas imperfectas de los objetos tal y como se presentan a la sensación, a las formas puras que constituyen su esencia duradera.
Naturaleza muerta con manzanas y naranjas. 1899. Óleo sobre lienzo.
Meyer Shapiro subrayó la suntuosidad casi regia de esta naturaleza muerta, de la que parece emanar toda la alegría del pintor por la abundancia y la profusión de las cosas coloreadas. En la mesa, en el plato, en el frutero, el pintor dispone luego las manzanas y las naranjas, observándolas desde puntos de vista diferentes, para exhibir con mayor claridad su volumen volumétrico y su precisa función pictórica.
El cuadro está construido con arreglo a un vertiginoso movimiento diagonal que crece de izquierda a derecha, y hasta las frutas están dispuestas en pirámide para acentuar el efecto dinámico y ascensional de toda composición. Toda diferencia entre profundidad y superficie es debidamente disimulada y las cosas se proyectan hacía delante, ostentando su forma pura y esencial y el modo con que dialogan con el espacio. El efecto es denso, casi de amontonamiento: el cuadro parece organizado en todas sus partes con precisión geométrica y brilla a merced al intenso cromatismo de las frutas , verdadera sinfonía de amarillos, anaranjados rojos, que repiten sus vibrantes valores incluso en las flores que adornan el tapiz.
La casa del ahorcado. 1873. Óleo sobre lienzo.
Entre los años 1873 y 1879 Cézanne realizaba frecuentes sesiones de trabajo con Pissarro, realizando varias estancias con él en Pontoise y Auvers-sur-Oise. Como consecuencia de su trabajo con Pissarro, Cézanne aclara su paleta, utilizando colores más claros.
Esta «Casa del ahorcado», de 1873-74 es un ejemplo del trabajo de Cézanne en su intento de superar la captación fugaz del momento de los impresionistas. En este cuadro realiza una composición espacial más elaborada. Las formas son sólidas, se han materializado, en contraste con el enfoque puramente impresionista, que sobre todo enfatiza el papel de la luz en su incidencia sobre los objetos.
De la obra destaca el personal sentido de masa y de planos en interacción de Cézanne. En esta obra es evidente que Cézanne ha asimilado el uso de la luz y el color según los principios del Impresionismo. Sin embargo, pierde la pincelada típica de este estilo.
La primera fotografía de la historia que se conserva fue tomada en 1826 por el ingeniero francés Nicéphore Niépce, desde la ventana de su granero, en Francia. El análisis de la fotografía ha revelado los materiales utilizados por Nicéphore: una placa fotográfica de estaño pesado recubierta con una mezcla líquida de betún de Judea y aceite de lavanda, que se endurece al exponerse a la luz.
Joseph Nicéphore Niépce ha pasado a la historia por ser el hombre que consiguió la primera fotografía, logrando imágenes mediante el método que denominó heliografía.
Louis Daguerre tomo su idea y la mejoró logrando su propia fama. Durante los primeros años experimentó con barnices sensibles a la luz, con cloruro de plata, pero, no fue capaz de conseguir imágenes permanentes y que no se terminaran desvaneciendo. Después probó con betún de judea lorgando mejores resultados. Más tarde, en 1822, comienza a conseguir resultados duraderos, pero esos primeros negativos quedan destruidos al intentar positivarlos.
Niépce nunca fue un buen dibujante, cuando perdió a su hijo con grandes cualidades artísticas tras su decisión de alistarse en el ejército, tuvo que aprovechar su experiencia como litógrafo y químico para buscar nuevas formas de producir.
Según él mismo trataba de buscar un método gráfico que le permitiese reflejar la realidad sin tener que recurrir a la habilidad de ser bueno con el dibujo. Una obsesión que le llevó al descubrimiento de algo grande, como ha ocurrido muchas veces en la historia.
Sin embargo, la primera fotografía, de Joseph Nicéphore Niépce, para las casas de subastas fue ésta la titulada Tirando de un Caballo, una reproducción de un grabado holandés, que se considera de 1825. De hecho, fue vendida en marzo de 2002 al Museo Nacional de Francia.
Durante los años siguientes comenzó a experimentar con barnices sensibles a la luz, y más tarde con cloruro de plata, pero, como muchos coetáneos, no fue capaz de conseguir imágenes permanentes y que no se terminaran desvaneciendo.
Sus mejores resultados los consiguió cuando decidió untar betún de Judea sobre placas litográficas para inmortalizar sus imágenes. En 1822, Niépce tomó un grabado del Papa Pío VII, y lo untó en aceite para hacerlo transparente. Expuso ese grabado a la luz del sol, dejando la placa untada en betún detrás, de tal modo que la luz del sol pasase a través de las partes claras del grabado endureciendo la capa de betún de Judea a la placa, dejando las partes de sombra sin endurecer. Después, tomó la placa litográfica y la sumergió en aceite de lavanda, de tal modo que las partes no endurecidas se disolvieron, dejando el grabado plasmado en la placa.
Esta réplica se perdió, y pocos años después llegarían las que serían las primeras fotografías conservadas.
Existe mucha controversia para determinar cuál fue verdaderamente la primera fotografía, aunque la que más comúnmente se ha reconocido como la primera fotografía de la historia se trata de Punto de vista desde la VENTANA de Gras, tomada a través de su ventana en 1826.
Le Chateau Noir. 1904. Óleo sobre lienzo.
